domingo, 27 de septiembre de 2015

Carol Rama, una artista "invisible"


“Descubrí que pintar me liberaba de la angustia” afirmó Carol Rama, la angustia de sentirse un artista “invisible” en su propio país de origen.

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No necesariamente el sentimiento de exclusión y de no pertenecer al lugar donde se vive está relacionado al desarraigo de su propio país de origen. A menudo, esta situación se debe a su vivencia y al hecho de no reconocerse en las formas de pensamiento y de expresión que se relacionan con una supuesta “normalidad”.
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Carol Rama

En el mundo del arte son frecuentes las historias de artistas que han vivido esta experiencia y que han buscado en la expresión artística una herramienta para afirmar su existencia y su visión del mundo.
“Descubrí que pintar me liberaba de la angustia” afirmó Carol Rama, una artista que tiene una historia, no solo artística, que testimonia estas dificultades. Olvidada durante mucho tiempo por el discurso oficial de la historia del arte, el trabajo de Carol Rama, que abarca ocho décadas (1936-2006), desafía las narrativas dominantes y crea una representación disidente de la sexualidad femenina.
Carol Rama es una artista italiana nacida en Turín que nunca abandonó su ciudad de origen. Su historia artística confirma la opinión de Las Guerrilla Girls, un colectivo de artistas feministas de los años 80, que afirmaban que las ventajas de ser una mujer artista se resumen en saber que tu carrera puede despuntar cuando tengas 80 años; en estar segura de que cualquier tipo de arte que hagas será clasificado de femenino, y en aparecer en las ediciones revisadas de las historias del arte. De hecho la obra de esta artista, que tiene 97 años, no fue reconocida hasta el 2003, cuando recibió, con 85 años, el León de Oro de la Bienal de Venecia.
¿Porque una artista del valor de Carol Rama ha tenido que esperar tantos años para afirmarse?
Una respuesta podría ser que Carol Rama es una mujer que nació en Italia al principio del XX siglo en un periodo histórico donde una mujer artista, y con una historia familiar que, como poco, se podría calificar de complicada – una madre con problemas psiquiátricos y un padre que se suicidó – no gozaba de mucha estimación.
Carol Rama no tiene una formación artística académica “Mi único maestro es el pecado”, afirma, y añade: “Pinto por instinto y pinto por pasión. Y por ira y por violencia y por tristeza. Y por cierto fetichismo. Y por alegría y melancolía juntas. Y por rabia especialmente”.
Su producción, que se extiende a lo largo de siete décadas, constituye un contra-archivo que permite reconstruir los movimientos de vanguardia del siglo XX.

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En los años treinta y cuarenta, empieza a inventar su propia gramática visual a través de acuarelas figurativas con miembros amputados y lenguas erectas. Estos trabajos de la primera época se rebelan contra los ideales normativos de género, sexuales y de normalidad cognitiva y física impuestos por la Italia de Mussolini, por lo que, cuando se expusieron por primera vez en 1945, fueron censurados por “obscenidad” por el gobierno italiano.
Carol Rama transita por la abstracción en los años cincuenta; se aproxima al informalismo y al espacialismo en los sesenta con la creación de bricolages y de mapas orgánicos hechos de ojos y uñas de taxidermista, de cánulas, signos matemáticos, jeringas y conexiones eléctricas.
Al finales de los años sesenta, la escena artística italiana queda tomada por las figuras masculinas del “arte povera” con la excepción de Marisa Merz. Mujer-sin-hombre, rodeada en su mayoría por amigos no vinculados al povera y/o homosexuales, Carol Rama queda fuera de la escena artística italiana de 1960-1970, aunque si miramos con detenimiento su obra de esta época, es imposible no ver paralelismos y recurrencias con el “arte povera”. Excluida de esta escena, su obra permanece invisible.
En los años setenta, Carol Rama conecta de nuevo con su biografía a través de la intensidad de los materiales utilizando casi exclusivamente el caucho proveniente de neumáticos de bicicleta, un material que conoce bien porque su padre tuvo una pequeña fábrica de bicicletas en Turín. Disecciona los neumáticos, los transforma en superficies bidimensionales, crea formas a través del ensamblaje de distintos colores y texturas. Sus neumáticos, envejecidos por la luz y el tiempo, deshinchados, flácidos y en descomposición, son, como nuestros cuerpos, “organismos todavía bien definidos y vulnerables”.

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En 1980, la historiadora y crítica del arte Lea Vergine “descubre” la obra de Carol Rama e incluye una selección de sus acuarelas tempranas en la exposición colectiva “L’altra metà dell’avanguardia 1910-1940”, en la que reúne obras de más de un centenar de artistas mujeres. Ese “descubrimiento” vuelve a invisibilizar la obra de Carol Rama de dos maneras: por una parte, la “reconoce” a condición de presentarla como “mujer”, y por otra, prestando atención exclusivamente a sus acuarelas del periodo 1930-1940, eclipsa la obra posterior de la artista.

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En los últimos años vuelve al uso libre de la forma inventando el sensurrealismo, el arte visceral-concreto, el porno brut, la abstracción orgánica. Actualmente se la considera una artista imprescindible para entender las mutaciones de la representación en el siglo XX y el trabajo posterior de artistas como Cindy Sherman, Kara Walker, Sue Williams, Kiki Smith y Elly Strik.
Las galerías de arte y los museos se han interesado de sus obras solo en los últimos años. La mayoría de las obras de Carol Rama estaba en mano de coleccionistas privados. Tiene una situación muy precaria con una economía de subsistencia que hace que se dedique a hacer un trueque con sus obras y muchos coleccionistas son personas de su vida cotidiana como la farmacéutica o el sastre. Por otra parte los coleccionistas de Carol Rama son muy fieles y no solo compran por admiración, evidentemente, sino también para ayudarla. Solo en 2010 se funda asociación cultural “Archivo Carol Rama” que tiene como actividad el desarrollo y la promoción de la artista, así como la protección de su imagen y de sus obras.

viernes, 25 de septiembre de 2015

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Modigliani: tragedia y pintura

Modigliani es recordado como el artista bohemio por excelencia. Su vida estuvo llena de drama y excesos que lo llevaron a un triste final.

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Pareciera que Modigliani estaba destinado a una vida llena de tragedias y carencias. Cuando Dedo –Modigliani– estaba en el vientre de su madre, los acreedores fueron a quitar a los Modigliani todas sus pertenencias cuando recordaron una antigua ley, la cual consistía en que los objetos sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables. A pesar de que esta regla salvó a su familia de la pobreza extrema, siempre vivió en condiciones bastante desfavorables.

Inicios

modigliani-tragedia-y-pinturaA los 14 años, Amedeo –Dedo, como lo llamaban en su familia– comenzó a asistir a clases de pintura con Guglielmo Micheli. En 1902, Amedeo se inscribe en la Scuola libera di Nudo en Florencia, y al año siguiente en el Instituto de las Artes de Venecia, ciudad en la que se mueve por los bajos fondos.
Para Modigliani, la vida en Italia era una vida llena de bohemia y excesos, por lo que era natural que decidiera trasladarse a la capital de la vie bohème, París. En esta ciudad, conoce a Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Vicente Huidobro y otros personajes célebres.



Estilo

Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro –que en ese tiempo influyeron a varios artistas del post-impresionismo–.

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Aunque Modigliani es reconocido por su producción pictórica, se consideraba a sí mismo como escultor, sin embargo, por motivos de salud tuvo que dejar de hacerlo, así que se dedicó a la pintura. En 1914, Modigliani hacía esculturas muy similares a las figuras de sus cuadros: con sus característicos cuellos largos, narices agudas y ojos como contornos que remiten a una escultura de corte africano, asiático y primitivo.

Los amores de Modigliani

Modi era un artista en su plena bohemia, hacía retratos a personajes famosos cobrándoles tan sólo 10 francos. Un tipo que parecía medio vagabundo, pero no por ello era menos atractivo para las mujeres. De hecho, sus romances fueron famosos por su dramatismo.
Las mujeres en la vida de Modi fueron muchas, pero a entre las que verdaderamente se pueden contar son dos: Beatrice Hastings –aparece en varios retratos como Madame Pompadour–  y la que se puede decir fue su verdadero amor: Jeanne Hébuterne.
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La relación con Hébuterne no fue miel sobre hojuelas. Hija de familia, la joven tenía apenas 18 años cuando conoció al artista. Al enterarse su familia de la relación que sostenía con Modigliani, estos le retiran todo apoyo económico. No obstante, Modi siguió con ella y tuvo su primera hija, una niña llamada Jeanne.
Finalmente en 1917, Amadeo presenta su primera exposición en la galería de Berthe Weill. Todo parecía ir bien hasta que las autoridades la cierran por “indecente”. Por esta razón y por su salud, se traslada a Niza donde intenta vender cuadros a los millonarios de Costa Azul sin obtener éxito alguno.


El final

Modigliani encuentra su final tras una noche de excesos y haber peleado con unos vándalos en la calle. Lo encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de Jeanne embarazada. El artista muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920. Aunque pareciera que el drama termina aquí, su esposa descorazonada se suicida –aún embarazada– tirándose desde la ventana de un quinto piso después del funeral de Modigliani.
No obstante, la hermana de Modigliani, que vivía en Florencia, adopta a su hija huérfana. Jeanne más tarde escribirá una importante biografía de su padre titulada: Modigliani: Hombre y Mito.

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Por: Julenne Esquinca

25 septiembre, 2015

martes, 15 de septiembre de 2015

Las bailarinas y coreógrafas más famosas

La danza es el arte de componer con el cuerpo: cada paso forma un movimiento, cada movimiento una figura de baile, y así hasta crear una composición llamada coreografía.
La danza camina con nosotros desde tiempos primitivos –a partir del descubrimiento del ritmo y la música–, por lo que la inercia natural del cuerpo comenzó a acompañar a través del movimiento lo que el oído percibía. Fue aquí que la danza se utilizó como una manera de describir al ser humano y su percepción del universo, así que se le atribuyó un sentido espiritual y religioso, como también lúdico y comunitario.

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La danza fue percibida como un arte por los griegos, pero no se formalizó como parte de las bellas artes hasta que el rey Luis XIV deFrancia creó el ballet que sería utilizado como un medio de entretenimiento para las clases altas, así como una de las danzas más representativas de las bellas artes en Occidente.
A partir del ballet y las rupturas creadas en los años 20, se crearon tanto la danza moderna como contemporánea, de la mano de grandes coreógrafas como Martha Graham y Pina Bausch. La danza contemporánea abrió paso a muchas más manifestaciones libres que permitieron que la danza tuviera una explosión de expresiones.
En este artículo, con excusa del nacimiento de una de las bailarinas más importantes del siglo XXIsadora Duncan, te mostramos a las bailarinas y coreógrafas más importantes de la historia de la danza.

Isadora Duncan

Es considerada una de las precursoras de la danza moderna. Se distinguía por tener un estilo libre y se inspiró en las figuras clásicas de los griegos para su vestuario y coreografía.

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Loïe Fuller

Fuller es considerada otra de las precursoras de la danza moderna. Comenzó una carrera en teatro como una actriz infantil y luego como bailarina de burlesque, vaudeville y danzas circenses. Fuller se distingue por crear coreografías que combinaban amplios vestuarios de seda con iluminación multicolor.

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Fuller se volvió la representante del movimiento del art nouveau gracias al filme de 1896 Serpentine Dance hecho por los pioneros Augustey Louis Lumière. La actuación de Fuller atrajo la atención de grandes artistas y pensadores de su época entre los que destacan Henri de Toulouse-LautrecHenri-Pierre Roché, Auguste Rodin, Stéphane Mallarmé y Marie Curie.

Martha Graham


Graham fue una bailarina y coreógrafa estadounidense de danza moderna cuya influencia en la danza es equiparada a la que tuvoPicasso en las artes plásticas. Para ella, la danza moderna no era producto de la inventiva, sino del descubrimiento de principios primigenios.

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El estilo de Martha Graham es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.

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Doodle que creó Google en honor a Martha Graham

Katherine Dunham


Katherine Mary Dunham  fue una bailarina, coreógrafa y antropóloga estadounidense. Es considerada la “madre de la danza afroamericana“.

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En 1931, estableció un estudio de danza en Chicago y en 1940, formó la primera compañía de danza de los Estados Unidos donde todos sus integrantes eran afroamericanos. Para esta compañía, Dunham hizo la coreografía de varias revistas basándose en su investigación antropológica que efectuó en el Caribe.

Pina Bausch


Philippina Bausch fue una bailarina, coreógrafa y directora alemana pionera en la danza contemporánea. Con su estilo único y vanguardista,Bausch propone piezas de danza que se componen en cooperación con distintas expresiones: movimientos corporales, emociones, sonidos y escenografía que configuran piezas enmarcadas en la corriente de la danza-teatro, de la cual Bausch es pionera e influencia constante de generaciones posteriores.

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Por: Julenne Esquinca


martes, 8 de septiembre de 2015

Arte y Ecología

Hace ya unas décadas, Joseph Beuys realizó una de las piezas más transformadoras en el mundo del arte: se titulaba 7,000 Oaks y su objetivo era colocar esta cantidad de robles junto a una piedra vertical –cada uno– a manera de símbolo de tal acción.
La labor titánica de Beuys no logró ser terminada en vida, sin embargo, fue tal su impacto que muchas personas decidieron completar la pieza del artista plantando los 7,000 robles –y sus monolitos– en la ciudad de Kassel.

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Beuys tenía la firme intención de que esta obra moviera a las personas, pero sobre todo que fuera parte de un proyecto mundial. Aunque esto último no fue posible, Beuys a partir de 7,000 Oaks nos plantea una gran pregunta: ¿Qué tanto el arte puede transformar un ambiente y crear conciencia?
Como Beuys, muchos artistas se han hecho la misma pregunta e intentado crear conciencia mediante su arte sobre nuestra relación con la naturaleza e impacto sobre el mundo.
En los años 70, existieron varios movimientos que intentaron crear este tipo de conciencia. Seguramente, el más ejemplar es el land art, en donde se crearon piezas monumentales como Spiral Jetty de Robert Smithson, como también el arte de la tierra del artista Nils-Udo.

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Estos artistas al intervenir el espacio ecológico trataron de evidenciar un puente entre arte y naturaleza. Tal es el trabajo de Caroline Laengerer o el latinoamericano Milton Becerra, quien es representante de una corriente que derivó del land art conocida como EcoArt o arte ecológico. 

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El EcoArt trabaja a un nivel más profundo, ya que busca no sólo incidir en la ecología a través de piezas artísticas, sino también a través de las comunidades y sobre todo iniciativas que permitan cambiar nuestra relación con la naturaleza. Una gran exponente de este movimiento es la artista Aviva Rahmani.

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Tal y como decía Beuys: “todos somos artistas” y nosotros podemos hacer de nuestra relación con el medio ambiente una forma de arte.