martes, 28 de junio de 2016

Poemas que no sabías estaban inspirados en pinturas


El arte es un ejercicio integral, por lo que ningún artista puede crear una obra completamente aislado del contexto cultural de su época y sin influencia de otras manifestaciones. La interacción intrínseca y tal vez no presencial entre pintores, actores, músicos o escritores crea un ambiente artístico fluctuante y dinámico, ya que las manifestaciones artísticas se empapan y comparten una con la otra.
La comunicación entre artistas es fundamental para crear las composiciones más fieles a otra base o expresión artística y no sólo me refiero a las artes plásticas, pues de la literatura, la poesía en especial, se han valido muchos músicos, cineastas y artistas plásticos para crear nuevas obras inspiradas en los versos de un poema.
Tal fue el caso de la cantante e intérprete Lana del Rey, quien en el 2012 lanzó ‘Body Electric’, una canción creada con los vestigios de la lectura y el entendimiento que Lana tuvo sobre Walt Whitman y su poema “I Sing The Body Electric”. Las letras de esta poesía no sólo fueron la semilla que sembró la creatividad en Lana para componer y escribir su canción, también fueron parte del título y coro de su pieza, connotando la influencia que no sólo el poema, sino el autor tenía sobre ella.

“Yo canto al cuerpo eléctrico, me abrazan los ejércitos de quienes amo y yo los abrazo, no han de soltarme hasta que yo vaya con ellos, hasta que les responda, hasta que yo los purifique y los colme con la carga de mi alma”.


Como este ejemplo, a muchos nos sorprendería enterarnos de las verdaderas inspiraciones en forma de papel, tinta y rima alrededor de las que muchos artistas han recreado su propio arte, pintores de diversos géneros y estilos que conocerás a continuación.



“Mourning Picture” (1890) – Edwin Romanzo Elmer

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“Morning Picture” – Adrienne Rich

“Retrato de la Mañana”

“Se han llevado la silla de caoba y el balancín de caña
fuera del marco del arbusto de lila,
y mi padre y mi madre se sientan allí oscuramente, con ropas oscuras.
Nuestra casa de madera se mantiene firme en su colina,
mi muñeca se encuentra en su cochecito de mimbre
mirando al oeste de Massachusetts.
Este fue nuestro mundo.
Podría recrear cada eje de la hierba
sintiendo su escofina en mis dedos,
extraer el mapa de cada hoja lila
o la red de venas sobre la mano 
cansada y doliente de mi padre.

Fuera de mi cabeza, media rota,
sigo llenándola, de sueños condensados
sombras, cristales, techos, prados, globos de rocío.
Bajo el verde opaco de las lilas, a la luz
tallando cada radio del cochecito, el pórtico de pilares torneadas,
en virtud de nubes altas a principios del verano,
Soy Effie, visible e invisible;
recordando y recordada”.

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“Landscape with Fall of Icarus” (1558) – Pieter Bruegel the Elder

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“Musée des Beaux Arts” – Wystan Hugh Auden

“Museo de Bellas Artes”

“Nunca se equivocaron sobre el sufrimiento
los Viejos Maestros; qué bien entendieron
su lugar en lo humano; cómo sucede
mientras otros por ahí abren una ventana,
comen o en algún lado caminan sin fijarse;
cómo, mientras los ancianos apasionadamente
esperan el milagroso alumbramiento,
debe siempre haber niños patinando
en un estanque a la orilla del bosque 
que no tienen especial interés en que suceda;
nunca olvidaron que incluso
el temible martirio debe seguir su curso 
a como dé lugar en una esquina,
en algún lugar sucio donde llevan los perros su
vida de perros y el caballo del verdugo
se rasca el trasero inocente contra un árbol.
En el Ícaro de Brueghel, por ejemplo: cómo se aleja
todo, placenteramente, del desastre; el labrador
pudo haber oído el chapoteo, el desamparado grito, 
pero para él no se trataba de un fracaso importante: el sol brillaba como debía en las blancas piernas que desaparecían entre las aguas verdes;
y el airoso y delicado buque, que algo asombroso debió ver
—un niño que caía del cielo—
tenía que ir a algún sitio y navegó con calma
“.

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“Hunter in the Snow” (1565) – Pieter Bruegel “El Viejo”

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“Hunters in the Snow” – William Carlos Williams

“Cazadores en la Nieve”

“El panorama es el invierno
montañas nevadas
al fondo el retorno

de la caza se acerca la caída de la tarde
por la izquierda
los fornidos cazadores traen

de vuelta la jauría el letrero del mesón
colgando de una
bisagra rota es un ciervo un crucifijo

entre sus astas el helado
patio del mesón está
desierto salvo por la hoguera

enorme que flamea al viento atizada
por mujeres que se agrupan
en torno a la derecha más allá

de la colina hay trazas de patinadores
Brueghel el pintor
preocupado por todo esto escogió

un arbusto azotado por el viento como
primer plano
para completar su pintura”.

william-carlos




“The Old Guitarist” (1903) – Pablo Picasso

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“The Man with the Blue Guitar” – Wallace Stevens

“El Hombre de la Guitarra Azul”

I

El hombre inclinado sobre su guitarra,
Un pobre sastre. El día era verde.
Dijeron: «Tienes una guitarra azul;
No tocas las cosas como son».
El hombre replicó: «Las cosas como son
Cambian en la guitarra azul».
Entonces le dijeron: «Tócanos un aire
Más allá de nosotros, que sea nosotros mismos,
Un aire en la guitarra azul
De las cosas exactamente como son».


II

Llevar no puedo un mundo muy redondo,
Aunque lo enmiendo como puedo.
Canto a la testa del héroe, bronce
Barbado y largo ojo, mas no al hombre,
Aunque le enmiendo como puedo
Y al hombre casi a su través alcanzo.
Si cantar casi al hombre
Es evitar, con ello, las cosas como son,
Decid que es la serenata de un
Hombre que toca una guitarra azul.


III

Ah, tocar al hombre número uno,
Mover la daga en su corazón,
Extender su cerebro en la tabla
Y extraer los acres colores,
Clavetear su mente en la puerta,
Sus alas esparcidas a la lluvia y la nieve,
Golpear sus vivos gritos,
Tocarlos, golpearlos, hacerlos realidad,
Golpearlos desde un salvaje azul
Rasgueando el metal de las cuerdas…


IV

¿Es esto la vida, pues, las cosas como son?
En la guitarra escoge su camino.
¿Un millón de personas en una
Sola cuerda, y en ella todo su ademán,
Y todo su ademán, incierto y cierto,
Y todo su ademán, violento y delicado?
Los sentidos invocan loca y astutamente,
Como un zumbar de insectos en el aire de otoño,
Y eso es la vida, pues, las cosas como son,
Este zumbar de la guitarra azul.

wallave-stevens




“Nude Descending a Staircase” (1912) – Marcel Duchamp

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“Nude Descending a Staircase” – Joseph Charles Kennedy
“Desnudo Descendiendo una Escalera”

Dedo a dedo, un nevado alud de carne,
cáscara de limón, mujer pendiente,
se dispersa en la luz por la escalera
sin nada encima. Encima, nada en mente.
Espiamos tras la barandilla el firme
rastrillar de sus piernas y pedazos;
los labios dejan rastros en el aire
que se parte a sus partes y a sus pasos.
Esta cascada de mujer ostenta
su descenso pausado, capa y horma,
y al detenerse en el postrer peldaño
ciñe sus movimientos a su forma”.

joseph-kennedy



“The Starry Night” (1889) – Vincent Van Gogh

noche-estrellada
“The Starry Night” – Anne Sexton

“La Noche Estrellada”

“La ciudad no existe
salvo allí donde un árbol de pelo negro
se remonta como una mujer ahogada hasta el cielo encendido.
La ciudad está en silencio. La noche bulle con once estrellas.
¡Oh, noche estrellada! Así quisiera
yo morir.

Se mueve. Todas están vivas.
Hasta la luna se hincha
en sus grilletes anaranjados
para apartar a los niños, como un dios, de su ojo.

La vieja serpiente invisible engulle las estrellas.
¡Oh, noche estrellada!
Así quisiera yo morir:

bajo la impetuosa bestia del nocturno manto,
succionada por ese dragón inmenso, para separarme
de mi vida sin bandera,
sin vientre,
sin llanto”.
anne-sexton

“The Disquieting Muses” (1918) – Giorgio de Chirico

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“The Disquieting Muses” – Sylvia Plath

“Las Musas Inquietantes”
Madre, madre, ¿qué tía tan mal nacida?
¿O qué prima tan desfigurada y repulsiva
Te llevó a cometer la necedad
De no invitarla a mi bautizo, al que ella
Mandó en su lugar a esas señoras
Con cráneos como huevos de zurcir que cabeceaban
Y cabeceaban sin parar arriba y abajo,
A un lado y al otro de mi cuna?

Madre, tú que inventabas a nuestra medida
Los cuentos de Mixie Blackshort, el heroico oso;
Tú, cuyas brujas siempre, siempre terminaban
En el horno transformadas en pan de jengibre,
Me pregunto si también las veías, si decías
Aquellas palabras para librarme de aquellas tres señoras
Que cabeceaban por la noche alrededor de mi lecho,
Sin boca, sin ojos, con el cráneo calvo y recosido.

Durante el huracán, mientras las doce ventanas
Del estudio de padre se hinchaban hacia dentro
Como burbujas a punto de estallar, tú nos dabas de comer
A mi hermano y a mí leche con cacao y galletas,
Y nos ayudabas a los dos a corear:
“Thor está enojado: ¡Bum, bum, bum!
Thor está enojado: ¡A la porra con él!”
Pero aquellas señoras rompieron los cristales.

Cuando las compañeras del colegio bailaban
De puntillas, centelleando como cocuyos
Y cantando la canción de la luciérnaga, yo no podía
Levantar ni un pie con aquel vestido resplandeciente,
Y me quedaba a un lado, con mis pies de plomo,
En la sombra proyectada por aquellas madrinas
De tétricas cabezas, mientras tú gritabas y gritabas:
La sombra se alargaba, las luces se extinguían.

Madre, me obligaste a dar clases de piano,
Y alababas mis arabescos y mis trinos,
Aunque todos los profesores hallaban mi manera de tocar
Extraña, rígida, antinatural, a pesar de las muchas escalas
Y de las muchas horas que practicaba, pues no tenía
El menor oído musical, no, y era incapaz de aprender.
Pero aprendí, querida madre, aprendí en otro lugar
Y de otras maestras: de esas musas que tú no contrataste.

Un día desperté para verte, madre,
Flotando encima de mí, por el aire más azul,
En un globo verde brillante, con un millón
De flores y de petirrojos azules que jamás,
Jamás ha visto nadie en ninguna parte.
Pero el pequeño planeta desapareció de repente
Como una pompa de jabón cuando tú gritaste: “¡Ven aquí!”
Y yo volví a hacer frente a mis compañeras de viaje.

Día y noche, a los pies y a la cabecera, a ambos lados de la cama,
Las tres me vigilan vestidas con sus túnicas de piedra,
Sus rostros en blanco, como el día en que nací.
Sus sombras se alargan en el sol del ocaso
Que nunca se vuelve más brillante ni termina de ponerse.
Sí, este es el reino al que me engendraste,
Madre, Madre. Pero no voy a fruncir el ceño
Para no desvelar la relación que mantengo”.

sylvia-plath




“L’Estaque” (1883) – Paul Cézanne

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“Cézanne’s Ports” – Allen Ginsberg

“El Puerto de Cézanne”

“En primer plano, vemos Tiempo y Vida
precipitados en su carrera
hacia la izquierda del cuadro,
donde la orilla se encuentra con la orilla.
Pero ese lugar de encuentro 
no está pintado;
no figura en el lienzo.

Porque el otro lado de la bahía
es el cielo y la eternidad,
con una lívida bruma blanca sobre sus montañas.

Y el agua inmensa de L’Estaque es un intermediario
para los diminutos botes de remos”.

allen-ginsberg




Las estrofas de los poemas que estos artistas reprodujeron no como una copia, sino como una proyección de su propia perspectiva sobre la poesía, no son más que las musas en forma de letras por las que estos pintores internacionales se dejaron enamorar.
La inspiración no es una instrucción ni un listado de características que hay que seguir, la inspiración es la que te permite aprender de ella, sentir a través de ella y crear con ella, siempre bajo las concepciones que acompañen todos y cada uno de los pensamientos, sentimientos y particulares ideas de cada artista.

La vida misma nos ofrece un sinfín de motivos para inspirarnos a crear a partir de algún detalle, algunos segundos o cualquier rasgo que atraiga nuestra atención, todo lo que nuestra creatividad pueda construir, los artistas son quienes le dan vida a todas esas ideas efímeras que muchos tenemos pero pocos plasman en un lienzo o cualquier otra reproducción artística.

Por 

lunes, 2 de mayo de 2016

El Arte Psicótico

El arte y la locura

Creación, imágenes insondables y mundo psicótico. Misterios de la mente y el alma que el hombre a lo largo de la historia ha intentado plasmar a través de la creación artística. Secretos y enigmas que la mente esconde en sus más recónditos y aún desconocidos rincones.
Dibujos, pinturas, frescos, graffitis, collages, objetos y esculturas… cualquier materia, medio o soporte es utilizado en una carrera creativa desenfrenada por el artista en algunos casos al borde del más desenfrenado y genial abceso creativo al borde del paraxismo.
Desde el inicio de la historia del hombre han marchado entrelazados la magia, la locura y el arte con un mismo objetivo: el lograr descubrir los secretos que esconde la naturaleza y descubrir nuevas interpretaciones y un sentido pleno a ella misma.


Jean Dubuffet



Artistas psicóticos

La irracionalidad que afecta a cada sujeto y también al objeto de arte hacen de este una obra única y original. La pasión, el deseo, la necesidad, el instinto, el amor, la ira, el afecto, el padecimiento y el dolor provocan el artista una fuerza indomable que eclosiona dando origen a la creación creativa.
En algunas casos esta pulsión creativa supera el control racional y provoca la locura …

Aloïse (Lausanne, Suiza, 1886)

Es la artista psicótica que alumbra la entrada al Museo de Art Brut de Lausanne Y que pintaba sin cesar en el psiquiátrico donde estuvo encerrada más de 40 años. Aloïse fue una excepcional colorista. Obedecía a la llamada atractiva e irresistible de los colores, los trataba, los modulaba y las formas y el dibujo de sus obras seguían las órdenes del color.
Alöise era una mujer tímida, llena de escrúpulos y pudores (sexualidad reprimida), con claras dificultades afectivas y de comunicación.
La imaginería pictórica de Aloíse se nutría de historias de amor literarias e históricas (Cleopatra, Josefina, la Bella Otero, María Estuardo…). Sus pinturas tenían una importante carga erótica de fuerte impacto estético.

Adolf Wölfli (Berna, Suiza, 1864)

Adolf Wölfli, renombrado pintor psicótico, fue un esquizofrénico de extrema gravedad y excepcional talento. Wölfli produjo una voluminosa obra de notable impacto estético. Nació en Berna en 1864 y tuvo una vida miserable. Era hijo de una trabajadora doméstica que solía ejercer la prostitución y de un obrero alcohólico. A los 8 años quedó huérfano. Su infancia fue marcada por la miseria y por la crueldad, casi como en una novela de Dickens.
A los 18 años, deprimido, angustiado, ya psicótico se lanzó al vagabundeo y al delito. Perdido en el autismo, alucinado y delirante, querellante y violento, fue internado en la clínica psiquiátrica de Waldau en Berna.

Adolf Wölfli pintó una notable metáfora artística de la locura. Transmite el efecto onimoso y traumático de un lenguaje incomprensible, con un sentido perdido o que nunca tuvo sentido. El arte, de alguna forma, suaviza la crueldad, la penuria, el horror y la penuria pero de manera frustrante no alcanza el fuerte deseo de comunicar.
Si comunica, por otra parte, algo de la naturaleza loca, psicótica, del mundo incomprensible de Wölfli.
Adolf Wölfli pintó trozos de su vida interior y también fragmentos de la historia de la comunidad y de su cultura, de su música, de sus castillos, de sus ideales y horrores.

Palanc

Palanc un panadero solitario, paranoide y depresivo, fue también un interesante pintor psicótico no hospitalizado descubierto por J. Dubuffet (1964) y su Compañía de Art Brut. Fue un escriturista especializado en construir alfabetos imaginarios y en darles un dibujo secreto a las letras y supuestas palabras que inventaba. La pintura de Palanc consistía sólo en letras de su propia invención.
Lo que Palanc, intentaba expresar en sus dibujos eran las emociones que no podía conocer y no podía experimentar.






El art brut

Los iniciadores de la idea del arte “brut”, Jean Dubuffet, Breton, Tàpies, Ratton, confrontaron el arte convencional (tanto clásico como moderno), ligado a una cultura elevada y oficial (las obras generalmente apreciadas) con un arte realizado por autores espontáneos sin formación artística, alejados de ambientes sofisticados e intelectuales.
Destacaron en el arte “brut” el valor creador y renovador de lo salvaje. Los artistas del arte “brut” apuestan por un arte realizado como una fiesta placentera en la que todo el mundo participa y que sirve para el diálogo y desarrollo del espíritu de todos los participantes. Un juego por encima de un trabajo, la creación es más importante que la formación, la información académica o la imitación.
Dubuffet pensaba que las obras artísticas exteriorizaban la operación artística pura, bruta, reinventada por el artista a partir de sus impulsos….
El arte brut, para Dubuffet, nacía referido y enlazado con la idea de actos artísticos espontáneos, originarios, inéditos.

Un fuerte espíritu innovador (corrientes artísticas innovadoras) se vislumbra en las obras de arte brut de la mano de algunos artistas tales como el mismo Dubuffet o el danés Asger Jorn del Grupo Cobra, entre otros muchos.

Caravaggio

La vida y obra de Michelangelo Merisi, llamado el Caravaggio, se desarrollaron entre luces y sombras. Desde lo sombrío de sus existencia surgió la claridad de su arte.
Su conducta turbulenta, irregular y agresiva, le llevaron hasta el crimen. En contraposición, la belleza de su pintura.
La actividad artística de Michelangelo Merisi, el Caravaggio, fue esencialmente renovadora. Llegó a planos revolucionarios. Incluso inaugurando un nuevo estilo: el barroco.
El Caravaggio apuesta en sus cuadros por la verdad natural, la realidad que construye como artista se encuentra en las calles, plazas, mercados, ferias, tabernas… Lo atraen, sobre todo, los habitantes de la noche, los que en medio de las sombras son iluminados por candiles, faroles y la luna. Estos personajes son su modelos para cristos, vírgenes, santos, ángeles. Es la humanización del arte religioso, su desacralización… es la poesía de Caravaggio inspirada en la realidad desde una postura antiacadémica y antieclesiástica.

Van Gogh

Su vida y su forma de pintar, estrechamente relacionadas, escalonadas de crisis e innovaciones esteticas, han hecho de Van Gogh uno de los creadores más excepcionales de la historia del arte.
La función creadora de la pasión , el éxtasis, el frenesí, la angustia y la desesperación e reflejan y dan vida a la obra de Van Gogh.
Como otros artistas, Van Gogh murió joven, como si no hubiese podido preservarse del deseo intenso de amar y sufrir para crear. La unión entre la creatividad y la destructividad (la aceleración hacia la muerte) está presenta en la vida y obra de Van Gogh.

Carpaccio

Carpaccio es uno de los pocos artistas del Renacimiento que pintó un tema de la locura y lo hizo en el cuadro “El milagro de la reliquia de la Sta Croce”. La obra artística que dejó este pintor sabio y erudito hace pensar que tuvo una comprensión inteligente o al menos una visión estética y reflexiva de los sufrimientos depresivos que el mismo padeció.
Carpaccio fue uno de los más extraordinarios pintores del Renacimiento y sus cuadros dejan una imagen imborrable y poderosa. Carpaccio hace apreciar muy directamente la incoherencia, el aislamiento y el extrañamiento que hay en el hombre. Nos transmite la dificultad de sar cohesión adistintas corrientes estéticas, nos introduce en sus padecimientos y nos propone imaginar la fuerza creativa que nace de la contradicción.


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viernes, 29 de abril de 2016

James Ensor, La conviviencia de la pesadilla y el carnaval

James Ensor, nacido en Bélgica, fue uno de los pintores europeos reconocido por el movimiento expresionista, el cual tiene como característica la prioridad que se le da a la subjetividad y a la expresión de las emociones y sentimientos en la realización de alguna obra, y quizá precursor o importante  influencia para el surrealismo dada la composición de sus obras.
Cocineros Peligrosos - 1896
En las obras de Ensor puede encontrarse continuamente elementos que pueden introducirnos a escenarios grotescos, quizá tenebrosos pero con tintes carnavalescos.  Mascaras que sólo en malos sueños podríamos ver, cráneos, payasos y las convivencias cotidianas plasmadas con pinceladas fuertes atrapan a los espectadores que, quizá por curiosidad, intentan entender que es lo que ven plasmado. Créanme, tratar de describir una obra de Ensor es complicado dada la multiplicidad de adjetivos que generan sus obras los cuales van desde grotescas, pasando por agresivas, tragicómicas y hasta burlescas. Pero finalmente lo importante no es encontrar un adjetivo adecuado para describir estas obras sino que les genere algo, sólo así encontraran la estética en el trabajo de James Ensor.
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martes, 26 de abril de 2016

El Grabado




El grabado es una técnica que a pesar de su antigüedad sigue vigente en muchos proyectos tanto de arte como de cultura.
Pero ¿qué es el grabado? esta es una rama de las artes gráficas en donde se utilizan diversas técnicas que permiten imprimir una imagen con resultados distintos. Todas estas técnicas tienen en común que la imagen se imprime en una superficie (llamada matriz) a través de técnicas que inciden en ella. Estas incidencias en la superficie o huellas, permiten que la tinta se aloje dentro de ellas, para finalmente ser transferida por presión (con un tórculo) al soporte del grabado que puede ser papel o tela. Este proceso por lo tanto permite que se realicen varias reproducciones de la pieza.
Artistas del grabado que debes conocer
El grabado también puede hacerse sobre cristal
Existen muchas técnicas para el grabado, ya que la matriz puede ser de diversos materiales como placas de cobre o zinc, placas de madera, linóleo o incluso piedra. Por lo tanto estas pueden ser intervenidas de distintas formas, ya sea por objetos o procesos químicos. Actualmente el grabado también puede ser realizado a través de procesos fotográficos, digitales o láser.
Cada técnica de grabado recibe un nombre ya sea por el material que está realizado o por la técnica que lo incide. Las técnicas más famosas de grabado son:
  • Xilografía o grabado en madera
  • Litografía o grabado en piedra
  • Huecograbado o grabado en metal
  • Linografía o grabado en linóleo
El huecograbado es una de las disciplinas de grabado que mayor cantidad de técnicas posee, ya que existen muchas formas de intervenir las placas de metal. Sus procesos pueden ser químicos como el aguafuerte o directos como la punta seca. Cada uno de ellos logra un efecto completamente diferente.
Artistas del grabado que debes conocer
Pieza de Oldrich Kulnhanek
También se puede considerar grabado a las intervenciones realizadas en sobre los soportes mismos del grabado como planchas de piedra o metal, aunque no se tenga la intención de realizar copias. A continuación te presentamos a artistas del grabado -tanto de algunos ayeres, como de la actualidad- que defienden al grabado como una técnica capaz de replantearse y producir imágenes impactantes para nuestra cultura visual.

“Russian Arms” de Bryn Perrott
Artistas del grabado que debes conocer
Pieza de Zuzia Kozerska

Por Julenne Esquinca